ARTIFICIAL BEAUTY

Polystyrene blocks

ITA
L’allestimento, composto da blocchi di polistirolo di diverse dimensioni, sovrapposti e uniti tra loro fino a raggiungere i quattro metri d’altezza, assume una doppia funzione: da un lato organizza lo spazio espositivo, dall’altro si configura come un’installazione site-specific coerente con lo spirito della mostra Artificial Beauty. La disposizione monumentale dei blocchi richiama visivamente le cave di marmo, con i loro volumi monolitici e le superfici tagliate, evocando la dimensione scultorea della materia. Osservata da lontano, la struttura può essere facilmente confusa con un insieme di blocchi di pietra, ma avvicinandosi lo sguardo viene ingannato: la consistenza leggera del polistirolo rivela la natura artificiale del materiale, le sue imperfezioni e la sua fragilità. Proprio in questo cortocircuito percettivo risiede la chiave concettuale dell’opera: un materiale contemporaneo, utilizzato nella prototipazione e nella sperimentazione plastica, si trasforma da simulacro a metafora. Non è marmo, ma polistirolo, e anche questa, dopo tutto, è un’illusione.

ENG
The installation, composed of polystyrene blocks of various sizes stacked and joined together to reach a height of four meters, serves a dual purpose: on one hand it organizes the exhibition space, on the other it functions as a site-specific installation consistent with the spirit of Artificial Beauty. The monumental arrangement of the blocks visually recalls marble quarries, with their monolithic volumes and sharply cut surfaces, evoking the sculptural dimension of matter. Viewed from a distance, the structure can easily be mistaken for a collection of stone blocks, but as one approaches the eye is deceived: the lightweight texture of polystyrene reveals the artificial nature of the material, its imperfections and fragility. It is precisely within this perceptual short circuit that the conceptual key of the work lies: a contemporary material, commonly used in prototyping and plastic experimentation, transforms from simulacrum to metaphor. It is not marble, but polystyrene, and that, after all, is an illusion.

Vinyl film on aluminum
200 x 600 cm

ITA
L’opera-manifesto che apre la mostra Artificial Beauty indaga il concetto di bellezza nell’era tecnologica, dove l’estetica è filtrata, manipolata e ridefinita da nuovi canoni, resa artificiale da strumenti digitali che trasformano la percezione del reale. Realizzata su sei pannelli di alluminio affiancati tra loro, si presenta come un’installazione contro l’omologazione visiva. In un mondo che tende verso la perfezione artificiale, l’artista celebra l’imperfezione come spazio autentico dell’umano. La superficie riflettente e interattiva invita lo spettatore a confrontarsi con la propria immagine, una presenza sfocata e imperfetta, trasformando la fruizione da contemplativa a esperienziale. Un messaggio che invita a ribaltare il concetto contemporaneo di bellezza, intesa non più come perfezione ma come vulnerabilità, come un costante equilibrio tra le imperfezioni.

ENG
The manifesto artwork that opens Artificial Beauty explores the concept of beauty in the technological era, where aesthetics are filtered, manipulated and redefined by new standards, made artificial through digital tools that transform the perception of reality. Composed of six aluminum panels placed side by side, it presents itself as an installation against visual conformity. In a world moving toward artificial perfection, the artist celebrates imperfection as the authentic space of the human. The reflective and interactive surface invites the viewer to confront their own image, a blurred and imperfect presence, transforming the experience from contemplative to participatory. It conveys a message that overturns the contemporary concept of beauty, understood no longer as perfection but as vulnerability, as a constant balance among imperfections.

Polystyrene
267 x 229 x 200 cm
From Hidden Veritas collection

ITA
Parte della più recente ricerca di Andrea Crespi, The Transition rappresenta la sintesi tra memoria classica e visione tecnologica. L’opera nasce da un avanzato processo di scansione 3D realizzato su un calco restaurato in scala 1:1 della Nike di Samotracia, effettuato presso il Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia “Leonardo da Vinci” di Milano, in collaborazione con la Scuola di Restauro di Botticino. Attraverso tecniche di modellazione e prototipazione a sette assi su polistirolo, l’artista genera una doppia scultura: una Nike classica Memory, pura e sospesa, e una seconda versione Projection, in cui le ali originali vengono sostituite da placche robotiche. Le due figure, disposte in dialogo spaziale, si osservano come riflessi temporali: una cristallizzata nel passato, l’altra protesa nel futuro. L’opera si configura come una metafora della trasformazione estetica contemporanea. Crespi indaga come l’ideale di perfezione antica possa rigenerarsi oggi attraverso gli strumenti della creazione contemporanea. La società è in continua mutazione e le sue icone, pur rispettate e custodite, sono destinate col tempo a lasciare spazio a nuove forme e a nuove estetiche. La scultura si trasforma così in emblema dell’umanità aumentata, espressione di un equilibrio fragile tra memoria materiale ed espansione tecnologica. In questo incontro, The Transition rivela la sostanza più profonda del tempo presente: una bellezza che nasce nell’intersezione tra ciò che è stato e ciò che diventerà.

ENG
Part of Andrea Crespi’s most recent research, The Transition represents the synthesis between classical memory and technological vision. The work originates from an advanced 3D scanning process performed on a 1:1 restored cast of the Nike of Samothrace, carried out at the National Museum of Science and Technology “Leonardo da Vinci” in Milan, in collaboration with the Botticino School of Restoration. Through seven-axis modeling and prototyping techniques on polystyrene, the artist creates a dual sculpture: a classical Nike Memory, pure and suspended, and a second version, Projection, in which the original wings are replaced by robotic plates. The two figures, positioned in spatial dialogue, observe each other as temporal reflections—one crystallized in the past, the other projected into the future. The work stands as a metaphor for contemporary aesthetic transformation. Crespi explores how the ancient ideal of perfection can be regenerated today through the tools of contemporary creation. Society is in constant evolution, and its icons, while respected and preserved, are destined over time to give way to new forms and new aesthetics. The sculpture thus becomes a symbol of augmented humanity, expressing a fragile balance between material memory and technological expansion. In this encounter, The Transition reveals the deepest substance of the present time: a beauty born at the intersection between what has been and what is yet to come.

With Max Magaldi

Smartphone and Glass Case
40 x 40 x 40 cm

ITA
Image not Found, realizzata in collaborazione con l’artista Max Magaldi, è un’installazione che affronta in modo diretto il tema della fragilità della privacy nell’ecosistema digitale contemporaneo. L’opera è  una rappresentazione visiva della sottrazione, un monumento al vuoto generato dall’eccesso di esposizione. È il furto invisibile dei dati che ognuno di noi ha subito, subisce e subirà sempre di più, nei prossimi anni, attraverso tecniche sempre più sofisticate e pervasive. Un meccanismo di cui siamo tutti vittime ma anche complici, poiché il grimaldello principale attraverso cui si compie ogni giorno è lo smartphone, che ognuno di noi maneggia ossessivamente tutti i giorni, tutto il giorno. “I dati sono il nuovo petrolio”; nel 2006 Clive Humby scriveva una delle frasi che meglio raccontano i primi 20 anni del XXI secolo. Image not found riflette su questo paradosso vertiginoso: il ciclo di estrazione/elaborazione/vendita dei nostri dati è uno degli architravi principali su cui si reggono i sistemi di potere contemporanei ma, a differenza del petrolio, i nostri dati sono, appunto, nostri. La teca rappresenta così il furto perpetuo su cui si fonda lo status quo, ma è anche testimonianza di una improbabile ma possibile rivoluzione: cosa succederebbe se tutti decidessimo, nello stesso momento, di cancellare i nostri dati affamando le piattaforme?

ENG
Image not Found, created in collaboration with artist Max Magaldi, is an installation that directly addresses the theme of the fragility of privacy within today’s digital ecosystem. The work is a visual representation of subtraction, a monument to the void generated by excessive exposure. It speaks of the invisible theft of data that each of us has suffered, continues to suffer and will increasingly face in the coming years through ever more sophisticated and pervasive technologies. It is a mechanism of which we are all both victims and accomplices, since the main tool that enables it is the smartphone, the device we handle obsessively every day, all day. “Data is the new oil.” In 2006, Clive Humby wrote one of the phrases that best encapsulates the first twenty years of the 21st century. Image not Found reflects on this dizzying paradox: the extraction, processing and commercialization of our data form one of the fundamental pillars sustaining contemporary systems of power, yet unlike oil, our data belongs to us. The glass case thus becomes both a symbol of the perpetual theft on which the status quo is built and a testimony to an improbable yet possible revolution: what would happen if, all at once, we decided to delete our data, starving the platforms?

MP4 Video
3849 x 2160 px

ITA
Ethereal Beauty invita lo spettatore a intraprendere un viaggio sospeso nel tempo, in cui arte e tecnologia si fondono in un dialogo poetico e visionario.
L’installazione si articola in una doppia dimensione: da un lato, uno schermo racconta la genesi e la costruzione dell’opera; dall’altro, un ologramma prende forma come simbolo e medium della contemporaneità, avvolgendo il pubblico in un’esperienza immersiva che trasforma lo spazio espositivo in un ambiente di contemplazione e connessione.

L’ologramma, cristallizzando un istante nel flusso infinito del tempo, si pone come riflessione sulla bellezza effimera: ciò che la tecnologia riesce momentaneamente a trattenere, rimane comunque fragile, transitorio, destinato a dissolversi. In questa tensione tra permanenza e dissoluzione, l’immagine olografica diventa custode di un’emozione sospesa, specchio della nostra continua ricerca di eternità nel fugace.

La farfalla, simbolo di leggerezza e metamorfosi, diventa emblema di questa fragile rinascita: un essere che vive nel confine tra materia e luce, tra reale e digitale. Le sue ali, tracciate secondo la cifra stilistica distintiva di Crespi, rivelano al loro interno la figura della Venere, archetipo di bellezza e musa ricorrente nell’immaginario dell’artista.
Così, l’etereo incontra il digitale e la bellezza si rigenera in nuove forme di percezione e presenza.

ENG
Ethereal Beauty invites the viewer to embark on a journey suspended in time, where art and technology merge in a poetic and visionary dialogue.
The installation unfolds across two dimensions: on one side, a screen narrates the genesis and construction of the work; on the other, a hologram takes shape as a symbol and medium of contemporaneity, enveloping the audience in an immersive experience that transforms the exhibition space into an environment of contemplation and connection.

The hologram, crystallizing an instant within the infinite flow of time, becomes a reflection on ephemeral beauty: what technology momentarily manages to preserve remains fragile, transient, destined to fade away. Within this tension between permanence and dissolution, the holographic image stands as a guardian of suspended emotion — a mirror of our endless pursuit of eternity within the fleeting.

The butterfly, a symbol of lightness and metamorphosis, becomes the emblem of this fragile rebirth — a being that exists on the threshold between matter and light, between the real and the digital. Its wings, drawn in Crespi’s distinctive optical style, reveal within them the figure of Venus, archetype of beauty and recurring muse in the artist’s imagery.
Thus, the ethereal meets the digital, and beauty regenerates itself through new forms of perception and presence.

BUTTERFLY EFFECT HOLOGRAM, 2025

Holographic Visualizer
17 x 17 x 30 cm
Powered by Tria and Nemes

Laser engraving on aluminum with augmented reality
15 x 9 cm

ITA
L’opera è concepita per la fruizione in realtà aumentata. Rivela il volto dell’artista, come un autoritratto dell’era digitale. Digital Labyrinth nasce da un’azione di incursione contemporanea al sistema tradizionale dell’arte. Nel 2022, l’artista hackera fisicamente il MoMA di New York attraverso un atto performativo che si trasforma in docufilm. Un’indagine sul confine tra reale e illusorio, dove la comunicazione si rivela più forte dell’essenza e la percezione diventa ciò che scegliamo di credere e al contempo sui criteri di selezione degli artisti da parte dei grandi musei. L’installazione, congiuntamente a un estratto del docufilm, prevede l’esposizione del QR code originale del 2022, ora non più funzionante, a testimonianza della caducità della tecnologia e di come anch’essa, sempre più velocemente, risulti superata.

ENG
The work is conceived for viewing in augmented reality. It reveals the artist’s face, as a self-portrait of the digital age. Digital Labyrinth originates from an act of contemporary incursion into the traditional art system. In 2022, the artist physically hacked the MoMA in New York through a performative action that later became a documentary film. It is an exploration of the boundary between the real and the illusory, where communication proves stronger than essence and perception becomes what we choose to believe, while also questioning the selection criteria adopted by major museums. The installation, together with an excerpt from the documentary, includes the original 2022 QR code, now no longer functional, as a testament to the transience of technology and to how quickly it becomes obsolete.

Marble of Carrara
100 x 40 x 30 cm

ITA
Beauty Lives in Every Story, è una scultura in marmo di Carrara che indaga il rapporto tra cultura e bellezza nel mondo contemporaneo.La figura, ispirata alla Nascita di Venere di Botticelli, prende origine, non più da una conchiglia bensì da un libro, simbolo della conoscenza come nuova origine del bello. Elemento centrale dell’opera è il braccio robotico che si innesta in quello classico della Venere, trasformando la tecnologia in una protesi evolutiva naturale. Crespi suggerisce come, nella società contemporanea, la macchina sia divenuta un arto supplementare, un surrogato dell’intelletto umano e della produzione culturale. La scultura celebra così l’incontro tra memoria umanistica e innovazione tecnologica, affermando che la bellezza nasce oggi tanto dall’intelligenza artificiale quanto da quella umana. La purezza e l’eternità del marmo dialogano con la materia del nostro tempo, generando una bellezza custodita nel dialogo tra la carta stampata e i nuovi strumenti di conoscenza.

ENG
Beauty Lives in Every Story is a Carrara marble sculpture that explores the relationship between culture and beauty in the contemporary world. The figure, inspired by Botticelli’s Birth of Venus, emerges not from a shell but from a book, symbolizing knowledge as the new origin of beauty. At the core of the work is a robotic arm grafted onto the classical arm of Venus, transforming technology into a natural evolutionary extension. Crespi suggests that in contemporary society, the machine has become an additional limb, a surrogate for human intellect and cultural production. The sculpture thus celebrates the encounter between humanistic memory and technological innovation, affirming that beauty today arises equally from artificial and human intelligence. The purity and timelessness of marble engage in dialogue with the materiality of our age, generating a beauty that resides in the meeting between printed pages and new instruments of knowledge.

Markers on paper
45 x 45 cm

ULTRA POP VENUS, 2022

NFT on SuperRare
blockchain Ethereum

ITA
Con Ultra Pop Venus, Andrea Crespi reinterpreta l’archetipo della Venere come icona senza tempo, traducendone l’immagine nel linguaggio della serialità pop contemporanea. L’opera, realizzata in collaborazione con Dynamo Art Factory e mintata su SuperRare, unisce dimensione fisica e digitale in un unico progetto ibrido. Il lavoro nasce all’interno di un laboratorio artistico realizzato ad hoc insieme ai bambini e adolescenti con gravi patologie e le loro famiglie, utilizzando la creatività come strumento di sperimentazione e inclusione. In questo contesto, Crespi coinvolge i giovani partecipanti in un processo collettivo che restituisce fiducia e autostima attraverso l’esperienza artistica condivisa. La moltiplicazione della figura di Venere, progressivamente decontestualizzata e spinta verso l’astrazione cromatica, rilegge la lezione di Warhol e la trasporta nel paradigma dell’era blockchain in collaborazione con la piattaforma d’arte digitale SuperRare. La bellezza viene qui intesa come dato replicabile ma non duplicabile, un valore che si rigenera in ogni variazione, preservando la sua unicità nell’atto stesso della moltiplicazione. Ultra Pop Venus è un manifesto della bellezza condivisa, dove l’estetica pop incontra la responsabilità sociale e la tecnologia diventa strumento di connessione umana.

ENG
With Ultra Pop Venus, Andrea Crespi reinterprets the archetype of Venus as a timeless icon, translating her image into the language of contemporary pop seriality. The work, created in collaboration with Dynamo Art Factory and minted on SuperRare, merges the physical and digital dimensions into a single hybrid project. It was developed within a special art workshop designed together with children and adolescents affected by serious illnesses and their families, using creativity as a tool for experimentation and inclusion. In this context, Crespi engages the young participants in a collective process that restores confidence and self-esteem through the shared artistic experience. The multiplication of Venus’s figure, progressively decontextualized and pushed toward chromatic abstraction, reinterprets Warhol’s legacy and translates it into the paradigm of the blockchain era through collaboration with the digital art platform SuperRare. Here, beauty is understood as something replicable but not duplicable, a value that regenerates itself in every variation while preserving its uniqueness in the very act of multiplication. Ultra Pop Venus stands as a manifesto of shared beauty, where pop aesthetics meet social responsibility and technology becomes a tool for human connection.

Marble of Carrara, Resin, Bronze, Metallic finish on resin, Sand finish on resin
37 x 26 x 33 cm

ITA
Serie scultorea originata da un modello in marmo di Carrara realizzato con tecnologia a sette assi, Head of Aphrodite esplora l’evoluzione della materia e dell’identità attraverso molteplici declinazioni: fusioni in bronzo, resine e sabbia. Ogni scultura traduce un diverso grado di permanenza e fragilità, ponendo in dialogo l’eternità del marmo con l’effimero della sabbia. Il concetto di neosintesi, elemento fondante della ricerca di Crespi, si manifesta nella scultura attraverso un processo di sottrazione, che caratterizza la sua poetica; il volto di Afrodite si svuota della sua iconografia per divenire archetipo della bellezza ridotta all’essenza, sospesa in un tempo indefinito. Ispirata alla Venere di Milo, Head of Aphrodite rappresenta la prima scultura realizzata da Andrea Crespi e segna il passaggio dalla bidimensionalità della tela alla tridimensionalità della materia, estendendo nello spazio il concetto di linea. Il processo creativo nasce in ambiente digitale, da un modello 3D, per poi tradursi nella dimensione fisica attraverso una sperimentazione tecnologica e materica continua. Head of Aphrodite diventa così un ritratto della bellezza in mutazione, dove la dea greca si fa specchio di un’estetica contemporanea che vive di metamorfosi, riflessione e riscrittura.

ENG
A sculptural series originating from a Carrara marble model created with seven-axis technology, Head of Aphrodite explores the evolution of matter and identity through multiple variations—bronze castings, resins, and sand. Each sculpture expresses a different degree of permanence and fragility, setting in dialogue the eternity of marble with the ephemerality of sand. The concept of Neo-Synthesis, a central element in Crespi’s research, takes form in the sculpture through a process of subtraction that defines his poetics; Aphrodite’s face is stripped of its iconography to become an archetype of beauty reduced to its essence, suspended in an undefined time. Inspired by the Venus de Milo, Head of Aphrodite represents Andrea Crespi’s first sculpture and marks the transition from the two-dimensionality of the canvas to the three-dimensionality of matter, extending the concept of the line into space. The creative process begins in the digital realm, from a 3D model, before materializing in physical form through continuous technological and material experimentation. Head of Aphrodite thus becomes a portrait of beauty in transformation, where the Greek goddess mirrors a contemporary aesthetic shaped by metamorphosis, reflection, and reinterpretation.

Marble of Carrara
30 x 20 x 23,8 cm
From Hidden Veritas collection 

ITA
The Artist and The Thief fa parte del ciclo di opere inedite realizzate per la mostra Artificial Beauty. Andrea Crespi mette in scena, con ironia e profondità, il fragile equilibrio tra idea, creazione e appropriazione. Da un blocco di marmo affiora una forma antropomorfa, un volto non ancora svelato. Accanto, un braccio meccanico si erge in relazione con la scultura stessa. È un confronto silenzioso tra l’uomo e la macchina, tra l’artista e la sua estensione automatica. Le due presenze si osservano e si confondono. Crespi costruisce un teatro del sistema dell’arte contemporanea, dove l’autorialità non è più un punto fisso ma una traiettoria instabile. Il titolo The Artist and The Thief gioca su questa ambiguità: chi è oggi l’artista? L’uomo o la macchina? L’artista che genera l’idea o l’artista che la crea? L’opera si sviluppa su più livelli di lettura: formale, concettuale e simbolico, proponendo una riflessione sulla proprietà dell’immagine, sul valore dell’intuizione e sul ruolo dell’artista in un tempo in cui il pensiero umano e quello tecnologico si intrecciano senza più confini.

ENG
The Artist and The Thief is part of the new body of works created for the exhibition Artificial Beauty. Andrea Crespi stages, with both irony and depth, the fragile balance between idea, creation and appropriation. From a block of marble, an anthropomorphic form emerges — a face not yet revealed. Beside it, a mechanical arm rises in dialogue with the sculpture itself. It is a silent confrontation between man and machine, between the artist and his automated extension. The two presences observe and merge into one another. Crespi constructs a theater of the contemporary art system, where authorship is no longer a fixed point but an unstable trajectory. The title The Artist and The Thief plays on this ambiguity: who is the artist today? The human or the machine? The one who conceives the idea or the one who executes it? The work unfolds on multiple levels — formal, conceptual and symbolic — offering a reflection on the ownership of the image, the value of intuition, and the role of the artist in an era where human and technological thought are intertwined beyond distinction.

ECHO BLUE, 2025
100 x 80 cm
Acrylic on canvas

SOLAR ORANGE, 2025
100 x 80 cm
Acrylic on canvas

SERENITY GREEN, 2025
100 x 80 cm
Acrylic on canvas

SPIRITUAL VIOLET, 2025
100 x 80 cm
Acrylic on canvas

ITA
In questa serie di tele, Crespi torna ai canoni della bellezza classica reinterpretandoli attraverso un linguaggio che caratterizza un’esplorazione cromatica alternativa alla sua cifra stilistica del bianco e nero. Le svariate tonalità cromatiche suggeriscono una luminosità quasi artificiale pur nascendo da una materia totalmente analogica. I gradienti alludono alle innumerevoli sfumature e sfaccettature della bellezza, negando ogni idea di ideale assoluto. La bellezza, in questa visione, è squisitamente personale; nasce dall’unicità individuale e dalla sensibilità soggettiva di chi guarda. Pur partendo dai canoni che da sempre hanno ispirato il concerto del pulchrum, sperimenta un linguaggio pittorico che evoca la resa visiva del digitale, creando un profondo dialogo tra le epoche.

ENG
In this series of canvases, Crespi returns to the canons of classical beauty, reinterpreting them through a language that explores a chromatic dimension alternative to his distinctive black-and-white aesthetic. The varied color tones suggest an almost artificial luminosity, though they originate from a completely analog medium. The gradients evoke the countless nuances and facets of beauty, rejecting any notion of an absolute ideal. In this vision, beauty is exquisitely personal; it arises from the individuality and subjective sensitivity of the viewer. While drawing from the timeless canons that have long inspired the concept of pulchrum, Crespi experiments with a pictorial language that recalls the visual rendering of the digital, creating a profound dialogue between epochs.

404 HUMAN NOT FOUND, 2025
100 x 80 cm
Acrylic and oil on canvas

ROBOT OF THE YEAR,2025
100 x 80 cm
Acrylic and oil on canvas

LET’S GET PHYGITAL, 2025
100 x 80 cm
Acrylic and oil on canvas

CYBER COUTURE, 2025
100 x 80 cm
Acrylic and oil on canvas

ITA
Con Future Magazine, Andrea Crespi prosegue la sua indagine sulla bellezza artificiale e sulla trasformazione dell’immaginario collettivo nell’epoca post-umana. Una copertina di domani, un numero zero di una rivista ancora inesistente, in cui le protagoniste non sono più modelle o celebrità, ma umanoidi levigati, algoritmi di bellezza. L’artista trasforma la superficie lucida della cultura pop in uno specchio critico del presente, dove la distinzione tra naturale e artificiale si dissolve in un’estetica dell’iper-reale. L’opera presenta volti che si fondono con innesti meccanici, simulando le copertine patinate dei grandi magazine contemporanei. L’immagine, familiare e insieme perturbante, riflette sull’ibridazione tra umano e macchina, tra realtà e finzione, mettendo in scena il paradosso della rappresentazione; ciò che un tempo definiva l’ideale estetico è oggi sostituito da superfici sintetiche, da identità generate e ottimizzate digitalmente. Le figure appaiono come icone di un futuro prossimo, reliquie di una civiltà che ha delegato la propria immagine alla macchina. Attraverso questa serie, Crespi invita a una riflessione profonda sull’umanizzazione della macchina e la meccanizzazione dell’uomo. Più rendiamo la tecnologia simile a noi, più le concediamo di sostituirci. Future Magazine diventa così un monitovisivo sulla mutazione antropologica in atto, ma anche una dichiarazione poetica. Nell’era in cui tutto può essere replicato, l’unicità resta l’ultimo atto di resistenza.

ENG
With Future Magazine, Andrea Crespi continues his exploration of artificial beauty and the transformation of the collective imagination in the post-human age. A cover from tomorrow, the zero issue of a magazine that does not yet exist, where the protagonists are no longer models or celebrities but sleek humanoids, algorithms of beauty. The artist turns the glossy surface of pop culture into a critical mirror of the present, where the distinction between natural and artificial dissolves into an aesthetic of the hyper-real. The work depicts faces merging with mechanical implants, simulating the polished covers of major contemporary magazines. The image, at once familiar and unsettling, reflects on the hybridization between human and machine, between reality and fiction, staging the paradox of representation: what once defined the aesthetic ideal is now replaced by synthetic surfaces, by identities generated and digitally optimized. The figures appear as icons of a near future, relics of a civilization that has delegated its image to the machine. Through this series, Crespi invites a deep reflection on the humanization of machines and the mechanization of humankind. The more we make technology resemble us, the more we allow it to replace us. Future Magazine thus becomes both a visual warning of the anthropological mutation underway and a poetic statement. In an era where everything can be replicated, uniqueness remains the final act of resistance.

ESEMPLARE 002, 2023
100 x 80 cm
Fine art printing on aluminum and plexiglass

ESEMPLARE 007, 2023
100 x 80 cm
Fine art printing on aluminum and plexiglass

ESEMPLARE 004, 2023
100 x 80 cm
Fine art printing on aluminum and plexiglass

ESEMPLARE 003, 2023
100 x 80 cm
Fine art printing on aluminum and plexiglass

ITA
Ex Human segna un punto di svolta nella ricerca di Andrea Crespi. È la prima opera in cui l’artista integra l’intelligenza artificiale non come semplice strumento, ma come interlocutore creativo.Presentata per la prima volta a Dubai nel 2023 e successivamente in diverse sedi istituzionali, l’opera assume una dimensione immersiva e visionaria, anticipando in modo pionieristico l’ondata di sperimentazioni sull’AI che avrebbe invaso la scena artistica globale negli ultimi anni. La composizione propone un duplice sdoppiamento, iconografico e stilistico, in cui le linee emblematiche di Crespi si intrecciano con le elaborazioni dell’algoritmo. Le figure, sospese tra umano e robotico, incarnano un dialogo speculare, come un nuovo Narciso che si osserva attraverso il filtro della macchina. L’immagine si duplica, si riflette, si interroga: dove finisce l’umano e dove inizia l’artificiale? In Ex Human, la macchina elabora contenuti, ma è l’intervento umano a determinarne il senso, la forma e l’emozione. L’opera diventa così un manifesto sull’ibridazione come nuova forma di autenticità, un equilibrio in cui uomo e tecnologia non si escludono ma si completano.

ENG
Ex Human marks a turning point in Andrea Crespi’s artistic research. It is the first work in which the artist integrates artificial intelligence not as a mere tool but as a creative interlocutor. First presented in Dubai in 2023 and later in various institutional venues, the work takes on an immersive and visionary dimension, pioneering the wave of AI experimentation that would soon sweep across the global art scene. The composition unfolds through a dual split, both iconographic and stylistic, where Crespi’s signature linear language intertwines with the algorithm’s elaborations. The figures, suspended between the human and the robotic, embody a mirrored dialogue, like a new Narcissus observing himself through the filter of the machine. The image duplicates, reflects, and questions itself: where does the human end and the artificial begin? In Ex Human, the machine generates content, yet it is the human intervention that defines its meaning, form, and emotion. The work thus becomes a manifesto of hybridization as a new form of authenticity, an equilibrium in which humanity and technology do not oppose but complete each other.

NOEVA, 2025
100 x 80 cm
Iridescent film on plexiglass

AURALIS, 2025
100 x 80 cm
Iridescent film on plexiglass

LYRAEN, 2025
100 x 80 cm
Iridescent film on plexiglass

SERAPHYX, 2025
100 x 80 cm
Iridescent film on plexiglass

ITA
In questa serie Crespi prosegue la sua indagine sull’identità e sulla metamorfosi della figura umana nell’era post-digitale. La scelta del supporto, capace di cambiare tonalità a seconda dell’angolo di visione, diventa parte integrante del linguaggio visivo. La figura umana si dissolve in base allo sguardo dell’osservatore; il corpo diventa riflesso e la pelle si fa schermo. In questi soggetti umanoidi, Crespi esplora la soglia tra l’organico e l’artificiale, tra l’eredità classica e la cultura digitale. Il corpo, spogliato della sua mitologia, si rigenera come icona fluida di una bellezza algoritmica. Le opere si configurano così come manifesti visivi dell’ibridazione contemporanea, dove la materia riflette lo sguardo mutevole del tempo che abitiamo.

ENG
In this series, Crespi continues his exploration of identity and the metamorphosis of the human figure in the post-digital age. The choice of medium, capable of changing tone depending on the viewing angle, becomes an integral part of the visual language. The human figure dissolves according to the viewer’s gaze; the body becomes a reflection, and the skin turns into a screen. In these humanoid subjects, Crespi investigates the threshold between the organic and the artificial, between classical heritage and digital culture. The body, stripped of its mythology, regenerates as a fluid icon of algorithmic beauty. The works thus emerge as visual manifestos of contemporary hybridization, where matter mirrors the shifting gaze of the time we inhabit.

Aluminum frame with integrated LED technology and printed fabric
230 x 200 cm

ITA
Every Body Change è un’opera che nasce in collaborazione con Dresswall e approfondisce il concetto di bellezza nell’era artificiale e digitale. Fondamentale l’apporto tecnologico del sistema Dresswall Frames, una struttura retroilluminata senza cornice che, grazie all’automazione smart della luce e a un sofisticato sistema RGB domotico, consente all’opera di evolvere in tempo reale. Il risultato è un monolite luminoso capace di generare infinite variazioni cromatiche, amplificando la percezione sensoriale ed emotiva del pubblico. Al centro campeggia la scritta Every Body Change, che agisce come chiave concettuale dell’intera installazione. Il messaggio, apparentemente diretto, si apre a una pluralità di interpretazioni: everybody come invito collettivo al cambiamento, every body come affermazione della mutabilità fisica e percettiva di ciascun individuo.

ENG
Every Body Change is a work created in collaboration with Dresswall that deepens the exploration of beauty in the artificial and digital age. Central to the piece is the technological contribution of the Dresswall Frames system, a frameless backlit structure that, through smart light automation and an advanced RGB home-control system, allows the work to evolve in real time. The result is a luminous monolith capable of generating infinite chromatic variations, amplifying the audience’s sensory and emotional perception. At its center stands the phrase Every Body Change, serving as the conceptual key to the entire installation. The message, seemingly straightforward, opens up to multiple interpretations: everybody as a collective invitation to transformation, and every body as an affirmation of the physical and perceptive mutability inherent in each individual.

Technical partner Dresswall®